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Ariel's Corner
Theater

Essai
Beaucoup de bruit pour Lear

Frédérique Fouassier-Tate

Abstracts

The staging of King Lear by Olivier Py at the Avignon Festival in 2015 triggered a chain of extreme reactions. This paper will give an overview of the various opinions on Py’s production in order to consider the reasons why the work was criticized and whether the harsh criticisms were justifiable.

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Beaucoup de bruit pour Lear

1La mise en scène du Roi Lear proposée par Olivier Py au dernier festival d’Avignon a provoqué une tempête de réactions. Si les productions du directeur du festival sont en général loin de laisser public et critiques insensibles, son adaptation « paroxystique » de la pièce de Shakespeare, pour reprendre l’adjectif du Jeudi, s’est révélée plus que jamais clivante, certains allant jusqu’à la qualifier de « ratage » (Solis), de « désastre » (Salino), voire d’« échec spectaculaire » suscitant « un sentiment de gêne » (Dalmayer). Les journalistes présents ont pu noter des réactions très diverses chez le public, allant de la fascination au dégoût, chaque représentation se déroulant dans une « atmosphère électrique » (Chevilley) et se concluant sur un mélange d’applaudissements et de huées. On a tout entendu sur cette mise en scène : ses partisans, à l’image de la ministre de la culture Fleur Pellerin, défendent vigoureusement la « magnifique » adaptation « pas tiédasse » de Py, que Shakespeare « ne renierait pas » (Le Midi Libre), tandis que la plupart de ceux qui ont assisté au spectacle sont plus mitigés et ont parfois du mal à se positionner. « On est souvent séduit, parfois perplexe », résume Sophie Jouve dans Culturebox ; il est « difficile de trancher tant on est balloté entre pénibilité et éclat », juge l’auteur du blog L’œil d’Olivier. Certains se contentent de trouver le spectacle « décevant » (Jade) ou « peu convaicant » (Forster), mais les critiques négatives dominent. Le Figaro estime que Py subit une « dérouillée », et Delphine Neimon dans The Artchemists souligne les commentaires négatifs rebondissant de media en media et l’audience catastrophique de la retransmission à la télévision. Le Monde dénonce une mise en scène misogyne et braillarde, Libération, un manque de subtilité. Olivier Fregaville évoque dans son blog L’œil d’Olivier une « version trash et violente » qui transforme la pièce en une véritable « tragédie hystérique ». Pour Causeur, la version de Py « sonne faux et même archi-faux », et la pièce ne fait qu’aller « de mal en Py ». Au vu de ces réactions passionnées et souvent extrêmes devant « l’événement d’Avignon » (Moulins), on peut se demander quels sont les choix du metteur en scène qui ont déclenché une telle véhémence, et si ces critiques sont justifiées.

2Il semblerait que, bien plus que la nudité ou les vociférations, ce soit le décalage entre les buts professés de Py et le résultat sur scène qui aient fait réagir et suscité les commentaires les plus intéressants. Pour Olivier Py, Lear est non seulement la plus forte des pièces de Shakespeare et « la pièce absolue », mais aussi une pièce « pour le vingtième siècle », dont il livre une nouvelle traduction (Source AFP pour Le Point). Il voit le vingtième siècle comme « le plus abominable de tous les temps » et la pièce comme une œuvre « moderne, une œuvre que le vingtième siècle a confirmée jusque dans sa plus grande noirceur » (Py 5), une « prophétie de ce que deviendra le monde moderne » (Py 6). Pour l’actuel directeur du festival, notre temps a besoin de cette « terrifiante lucidité » qu’a Shakespeare « sur le destin de l’Europe, sur l’effondrement du politique, sur la peinture du chaos ». Rien dans le texte de la pièce ne s’oppose en effet à la rapprocher de notre époque. Comme le souligne Jacques Moulins dans Naja 21, la violence, la veulerie et la jalousie meurtrière à l’œuvre dans Le Roi Lear submergent notre actualité. On pourrait objecter à cet argument que les metteurs en scène et les critiques ont de tous temps trouvé une résonnance des œuvres de Shakespeare à leur époque et se sont appliqués à les adapter au contexte contemporain. Comme le résume Fabienne Pascaud pour Télérama, « l’heure est shakespearienne. Comme toujours depuis cinq cents ans ». Py, lui, tient à restituer la « déflagration de la violence dans le monde moderne ». La « mort du politique » et « l’effondrement de l’humanisme » (source AFP dans Jeudi, Le Point et sur le site de France TV) que montre la pièce en font un texte qui doit nous mettre en garde sur le fait que « quand la politique n’a plus de sens, ça produit la violence, la guerre, la destruction des royaumes […] ça rappelle beaucoup de choses et des choses récentes » (Py pour Naja 21). Py insiste sur la politique, la foi, le pouvoir et fait du Roi Lear une « messe noire, violente et trash », une « messe pour le temps présent » (Chevilley).

  • 1 « Rien, rien, rien » sont d’ailleurs les derniers mots que prononce Lear.

3Au centre de la conception qu’a Olivier Py du Roi Lear se trouve une réflexion sur le silence, cause de tous les maux : le silence est énigmatique et la parole, notre arme la plus efficace. Il dit être parti d’une méditation sur le silence de Cordélia, et voit dans Le Roi Lear une course au néant. L’insistance sur le mutisme de Cordélia dicte les choix de mise en scène, allant même jusqu’à créer une « poétique de l’espace », selon le dossier du CRDP sur son adaptation (Ruffier). Selon le metteur en scène, la pièce nous donnerait à voir l’effondrement de la parole, la mort du langage, comme nous le rappellent les mots « ton silence est une machine de guerre » en néon sur la scène : la déraison de Lear et le déchainement de la violence découlent de la parole empêchée. Le silence déclenche la guerre, guerre qui mène au grand Rien lui aussi inscrit en néon sur la scène.1 Lear a accepté la falsification du langage et cette faille a suffi à détruire le monde (Py 6). Il n’y a plus de place pour la parole, ce silence signe la fin du Verbe. Contrairement à ce qu’il en est dans la traduction de Py, Cordélia ne prononce pas un mot dans sa mise en scène. Quand son père lui demande de parler, elle se contente de se coller un scotch noir sur la bouche. Comme l’analyse Cyril Olawinski dans L’Insensé, cette absence de prise de parole de la part de Cordélia « relève à la fois d’un acte héroïque—ne pas participer à cette « dévaluation » de la parole—et d’un constat d’échec—« la parole a déjà été dévoyée »—, si bien qu’au fil de la pièce, « tout sonne de plus en plus creux ». Le silence de Cordélia « relève d’une impuissance ontologique. Les mots ne savent plus dire. Ils ne collent plus au monde ». Seul le fou parle juste et quand Cordélia se tait, c’est lui qui prend le relais de la parole (Demidoff). Pour Py, Cordélia annule la possibilité de la parole ; « elle est un symptôme de la mise en doute des capacités du langage à dire, à nommer, à saisir le monde » ; « elle est donc la marque de la perte de l’espérance » (CRDP 12). Pour autant, Py voit Lear comme une pièce « désespérée » mais pas « désespérante » (Py pour Naja 21).

4En plus du silence de Cordélia, Py choisit de se concentrer sur l’idée de fin du monde exprimée par Edgar et par Kent. Il nous livre des images d’apocalypse, teintées de sa vision métaphysique de la pièce : à l’image de Lear et Gloucester, ces deux pères trahis par leurs enfants, tous les pères sont humiliés, y compris Dieu, ce qui ne peut que conduire au désastre et à la destruction totale (source AFP pour RTBF). L’engrenage destructeur qui se met en marche de manière implacable laisse les personnages incapables de contrôler leur destin (CRDP 7).

5Pour transmettre sa vision radicalement personnelle de la pièce, Py a ressenti le besoin d’en fournir une nouvelle traduction, qui lui a pris un an et dans laquelle il souhaite retrouver l’énergie du texte anglais, sa « fulgurance » pour que le texte aille à toute allure, « au galop » (alors que le français a tendance à le ralentir.) (Py pour Naja 21). Il traduit en vers libre afin d’accélérer le rythme et de restituer le mécanisme infernal de la tragédie. Sa traduction a avant tout pour but, non de projeter le texte dans le présent, mais de le rendre « limpide » pour les spectateurs d’aujourd’hui (source AFP pour Le Point).

6Comme s’accorde à le dire la grande majorité des critiques, la vision de la pièce que Py propose est fort intéressante et pertinente. Pourquoi dans ce cas le spectacle a-t-il causé un tel déchaînement de réactions passionnées ? Le problème n’est pas les intentions professées mais le résultat : si l’interprétation d’Olivier Py est « brillante sur le papier » (Pascaud), les choix de mise en scène et de jeu déçoivent souvent, voire irritent franchement. La nouvelle traduction en français moderne, bien que pouvant déplaire aux puristes, est en général plébiscitée, donnant un texte parfois plus vif et plus lisible que les versions précédentes – au risque d’être aussi plus lisse. Certains critiques, à l’instar de Brigitte Salino dans Le Monde, jugent qu’à rechercher à tout prix la concision de l’anglais, Py abuse des grossièretés et des raccourcis. Pour d’autres en revanche, comme Elodie Roca dans Les Heures Perdues, cette nouvelle traduction « alerte et crue » est fidèle à la verdeur de la langue shakespearienne et au mélange des registres qu’affectionnait le barde. La critique déplore néanmoins la multiplication des ajouts (citations de Mallarmé, allusions à l’actualité, chansons populaires adaptées par le fou) qui ont tendance à noyer le propos. De même, pour la chroniqueuse de Causeur, la traduction de Py est « audacieuse, ramassée, énergique, bien que parfois complaisante à l’oreille contemporaine » et elle met en valeur la diversité des registres de la langue shakespearienne.

7Non, le problème se situe ailleurs, et en l’occurrence dans les choix de mise en scène et le jeu des acteurs. Ce point de vue est résumé par Causeur, pour qui tout ce « beau travail » sur la traduction est « anéanti » par des acteurs qui vocifèrent sans relâche et sans nuance et par une mise en scène désastreuse. Pour les plus véhéments des détracteurs des choix opérés, comme Dashiell Donello de Mediapart, Py propose un programme « alléchant », mais « à l’oral sa version de Lear devient grotesque et remplie de clichés navrants ». L’histoire telle qu’elle est représentée « s’enlise dans un trou noir, froid et autiste », nous laissant insensibles. Et le critique de conclure : « au bout du compte très peu de théâtre et beaucoup de branlette intellectuelle ». Pour Donello, la faille principale est que le directeur du festival met en scène « son ego au lieu de représenter l’universel », mégalomanie qu’on lui reproche souvent. De même, pour Christian Jade sur le site de la RTBF, les ambitions énormes de Py ne débouchent que sur des platitudes. Finalement, ce dont on accuse le plus Py est de « faire du Py » davantage que du Shakespeare (Jouve), c’est-à-dire de cultiver son goût de l’excès et de l’emphase, qui, s’il touche parfois au baroque et au flamboyant, peut aussi avoir un côté racoleur dans lequel on ne retient que la nudité, la violence sanguinolente, le sexe et la scatologie, comme le déplore le journaliste de la RTBF. L’emphase constante a en outre parfois tendance à pousser le drame vers la comédie, au risque de perdre le sens. C’est ce manque de lisibilité que regrette la critique du Monde. Cette dernière dénonce une mise en scène « paresseuse » et « boursouflée » qui « part dans tous les sens », rendant ainsi incompréhensible le point de vue d’Olivier Py sur Lear et réduisant ce texte monumental à un spectacle « grand Guignol ». De même, pour Causeur, Py ne parvient pas à justifier ses choix et à les rendre compréhensibles, ce qui rend son adaptation « chaotique et illisible ». Télérama reproche une mise en scène « trop déshumanisée » et « souvent outrancière » qui dessert la pièce. Hugues Le Tanneur dans Libération parle d’une « caricature sans nuance » avec pour toile de fond l’« univers improbable d’une quincaillerie kitsch ». Dans Délibéré, René Solis décrit une mise en scène « en panne d’imaginaire » à l’« esprit potache » et des personnages « privés de nuances » et déshumanisés. Les Échos se contentent d’évoquer un spectacle « dérangeant et inabouti » alors que Kathleen Franck dans Zone Critique reproche à Py de vouloir absolument nous faire comprendre l’allégorie du texte par des images forcées et des symboles lourds de sens, rendant l’ensemble indigeste. Comme le résume L’Insensé, Py nous propose « un théâtre de la Fin qui manque parfois de finesse ». Peut-être ces faiblesses sont-elles dues au fait que Py est « trop investi dans ce projet », comme le suggère l’auteur de L’œil d’Olivier, si bien que sa démesure habituelle n’est pas maîtrisée et que sa vision de la pièce est « inaboutie », peu compréhensible, « brouillée et brouillonne ». Le critique poursuit en soulignant que Py atteint son but si on passe outre les cris stridents des acteurs, la vulgarité des postures et l’obscénité des mots. Malheureusement, le spectacle en pâtit grandement. Selon la chroniqueuse des Heures Perdues, si la pièce ne fonctionne pas, c’est aussi à cause des coupes importantes opérées dans le texte. Selon elle, tout marche plutôt bien pendant les trois premiers actes, mais les choses dérapent à l’acte IV. Les coupes privent le texte de ses nuances et la pièce bascule dans l’horreur avec complaisance pour nous livrer une fin « désespérante ».

8La nudité très présente des acteurs masculins, elle aussi marque de fabrique d’Olivier Py, est l’un des points qui a le plus retenu l’attention des critiques. Pour Siegfried Forster sur le site de RFI, le « marathon de nu » auquel nous sommes contraints d’assister enlève sa puissance à la scène finale. Pour nombre de commentateurs, cette nudité masculine exhibée est purement gratuite alors que les femmes sont réduites à des stéréotypes de genre. Peu sont ceux qui, comme Jacques Moulins dans Naja 21, voient cette nudité comme symbolique de la destitution totale de Lear. Elle est en général considérée comme participant à la vulgarité généralisée de la pièce. Par exemple, Elodie Roca dans Les Heures Perdues regrette une mise en scène qui « joue à fond la carte de l’obscénité » accompagnée du « bruit et de [la] fureur » de métaphores « grossières et agressives » pour finalement livrer une morale d’une étonnante noirceur.

9Les décors et la scénographie, quant à eux, laissent parfois perplexes. Comme le texte, le décor et les costumes sont contemporains. Pierre-André Weitz, avec qui Py collabore pour tous ses spectacles, conçoit la scénographie comme une « machine à jouer », tel un jeu de construction ouvrant à tous les possibles (CRDP 22). Le but du scénographe est de transformer cet espace, au départ très pur, en un vrai chaos (CRDP 23). Py a, selon ses propres termes, choisi de privilégier une « inventivité scénographique au réalisme cru » (CRDP 14). Pour le journaliste de la RTBF, le meilleur de la scénographie vient du trou béant où les protagonistes s’engloutissent ; il fournit une des images fortes de la pièce. Pour Olivier Fregaville, le décor donne le ton : il est âpre, sans fioritures, résumé à son essence primitive. Le décor comme le texte sont « rugueux, acide[s], obscène[s] ».

10Si les choix de Py ont leurs détracteurs, ils ont aussi leurs partisans, quoique moins nombreux. Par exemple, Zone Critique loue la mise en scène très contemporaine et le final « de toute beauté », et L’Insensé apprécie une « forme de radicalité » dans la mise en scène et même le « nihilisme » de la dernière partie, tandis que le dossier du CRDP loue le très hugolien mélange du sublime et du grotesque (ou du tragique et du bouffon, pour reprendre les termes de Culturebox) adopté par Py. Pour Alexis Campion dans Le Journal du Dimanche, la vitesse et la cacophonie ne sont en rien des faiblesses à la mise en scène: elles reflètent à la fois le chaos du royaume et le débordement du texte shakespearien. Il trouve de l’éclat et de la consistance même si le spectacle est en apparence grossier et agité. Le journaliste estime que malgré les excès, le résultat est « mémorable et vivifiant », et que la politique et l’esthétique radicales qui nous sont données à voir valent le détour. La Voix du Nord admire également les trouvailles de la mise en scène et la magnifique scène finale ; et de conclure : « on peut ne pas tout aimer, mais Olivier Py sait raconter les histoires ». RFI souligne un décor « intelligent et efficace » et une mise en scène « bien rythmée »… mais regrette que la pièce piétine. Pour Le Temps, même si le spectacle est « épuisant », il n’en est pas moins « souvent brillant » et empreint d’une certaine « grandeur ». Culturebox remarque pour sa part que Py offre bien plus qu’une énième version de la pièce : il s’agit d’une véritable mise en abyme, une réflexion sur Lear pour ceux qui connaissent et veulent approfondir… au risque de laisser de côté les non-initiés, serait-on tenté d’ajouter.

11De même, si public et critiques sont souvent choqués par la vulgarité ou la morbidité de ce que Py leur donne à voir, Les Échos estiment que ces éléments font partie intégrante du projet du metteur en scène, qui représente la brutalité et l’obscénité de notre époque sciemment. Pour leur journaliste Philippe Chevilley, Py veut provoquer, « dire son dégoût du triste jeu politique, de la balkanisation du monde et des êtres ». Il est donc logique que « son manifeste laisse peu de place à la poésie ». Ce point de vue est partagé et développé par Olivier Fregaville dans son blog : il voit le Lear de Py comme un manifeste qui se matérialise dans un spectacle « perturbant » et « violent », qui « dérange et déroute » à la fois. Pour communiquer sa vision du monde, Py « provoque », « heurte » et « malmène les consciences ». Certes, cela peut ne pas plaire à tout le monde, mais, qu’on l’aime ou pas, Py a pour le blogueur cette « capacité de déchainer les passions », de « créer l’événement », et « de faire réfléchir, quitte à choquer ». Or, n’est-ce pas là la fonction-même de l’art ?

12Le jeu des acteurs est un élément bien plus clivant encore que la scénographie. Pas de place pour les opinions mitigées quant à cet aspect du spectacle : les critiques encensent ou détestent. On note la récurrence des reproches quant aux vociférations et au débit beaucoup trop rapide des comédiens, ce qui lasse, voire épuise le public. En plus de hurler, on accuse les acteurs de jouer dans un registre unique, privant ainsi des personnages complexes de leurs nuances. Ainsi, selon Libération, l’Edgar que propose Py est la version la plus ridicule jamais livrée du personnage. Pour Télérama, les comédiens ne sont pas à la hauteur de la tâche qui leur est assignée et la mise en scène « rapide, sèche », associée au jeu des comédiens « sans psychologie, brut et brutal, volontiers outrancier, voire vulgaire » desservent le texte et les buts affichés de Py. Pour transmettre sa « vision névrotique » (Neimon) du cheminement de Lear, Py « en demande trop à ses comédiens » (Chevilley) et rend ainsi l’univers de la pièce inaccessible. D’autres media, plus rares, trouvent les acteurs « admirables » (Demidoff) et faisant preuve d’un engagement (Jouve), d’un jeu et d’une diction impressionnants (Forster) dans ce spectacle que Py veut très physique. Si les critiques s’accordent tous pour trouver Jean-Damien Barbin dans le rôle du fou excellent (et pensent bien souvent qu’il est le seul à tirer son épingle du jeu), ils s’opposent en revanche radicalement quant à la performance de Philippe Girard dans le rôle-titre. Culturebox juge l’acteur « puissant » et Le Temps le trouve « monumental » de « grâce » et de « distinction », Les Échos admirent son « panache » et l’estiment « impressionnant d’humanité ». Causeur déplore au contraire qu’il soit « peu convaincant » et qu’il nous livre un Lear « unidimensionnel ». Hugues Le Tanneur dans Libération reproche à l’acteur d’être « peu crédible » et d’adopter un ton « larmoyant et monocorde » et Télérama trouve dommage qu’il parie sur l’abstraction et dégage volontairement peu d’émotions… à se demander parfois si les critiques ont assisté au même spectacle.

13Une chose est sûre, c’est qu’Olivier Py aura su, une fois de plus, sinon créer l’événement, du moins faire le buzz. Ses choix, certes souvent discutables, ont au moins le mérite d’être radicaux, et de représenter un vrai parti-pris sur le texte. Dommage qu’il soit souvent occulté par des procédés que l’on peut juger parfois faciles et racoleurs. Il n’en reste pas moins que le spectacle de Py fait penser et réagir, provoque, scandalise, et c’est bien là le but premier de l’art… en particulier quand cela se fait par le biais d’un texte monumental qui n’a pas fini d’interroger.

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Solis, René. « Lear accable Py ». Delibere.fr. 7 juillet 2015. Page consultée le 28 septembre 2015.
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Notes

1 « Rien, rien, rien » sont d’ailleurs les derniers mots que prononce Lear.

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References

Electronic reference

Frédérique Fouassier-Tate, « Essai
Beaucoup de bruit pour Lear
 », Miranda [Online], 12 | 2016, Online since 29 February 2016, connection on 28 July 2017. URL : http://miranda.revues.org/8236

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About the author

Frédérique Fouassier-Tate

Centre d’Etudes Supérieures de la Renaissance, UMR CNRS 7323
Université de Tours
Maître de Conférences
frederique.fouassier@univ-tours.fr

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